Hélas, le combat des jardiniers se solde aujourd’hui par une défaite. Dans ce Siddharta, le néoclassicisme omniprésent a définitivement pris le pas sur toute trace de modernité qui pourrait nous rappeler que nous sommes en 2010. A la vue de ce ballet on ne peut que se demander quel sens a une création qui parait dés sa première être une résurgence des années 1950 ? Toute la subtilité qui constitue habituellement le talent de Preljocaj se trouve ici écrasée sou le poids de la tradition classique et de l’univers quasi-pompier développé conjointement par les visions de Claude Lévêque et la partition rugissante de Bruno Mantovani (mention spéciale au tableau d’ouverture nous présentant un astéroïde géant tout droit sorti d’un film d’Ed Wood se balançant au son rugissant de l’orchestre au dessus d’une tribu de motards casqués).

Oui, il reste de ce spectacle quelques minutes trop rare de grande beauté. Par exemple, et c’est quelque part paradoxal, lorsque l’influence classique est totalement assumée et donne lieu à une quasi reproduction du Lac des Cygnes. Après les 4 saisons, Blanche Neige et ce Siddharta, Angelin Preljocaj semble avoir pris une tournant quasi-définitif vers un style chorégraphique conservateur. Nous ne pouvons alors que regretter, les N, Helikopter et autres Empty Moves…

Le traitement de cette thématique, disons le tout net, se révèle dans les faits assez mystérieuse…jusqu’à l’apparition à dix minutes de la fin de projections vidéos représentatives de l’évolution de divers espèces. A ce moment, et avec un regard rétrospectif, l’ensemble du ballet semble prendre corps et faire sens. De l’évolution, Wayne Mcgregor semble avoir une vision relativement pessimiste…comme si venait se plaquer sans cesse sur les corps blafards, la lumière glacée et la scénographie austère la question du réel devenir de l’homme, sans aucun doute destiné à disparaître de la même manière que les espèces dont il a causé la perte. Ce n’est donc pas un discours léger qui nous est adressé. Mais la beauté et l’espoir y gardent une place, qui même réduite, aura pour effet de marquer profondément.

Genus, chorégraphie de Wayne Mcgregor, au Palais Garnier, 1 Place de l’Opéra Paris 1er jusqu'au 10 novembre 2007

Plus que liée par un réel dénominateur commun, la soirée qui nous est présentée semble avoir été conçue comme un catalogue destiné à mettre en évidence les capacités d’Emmanuel Gat à transposer sa démarche dans différents types de configuration : le solo, le duo, et la chorégraphie chorale avec une pièce pour 8 danseurs. Chacune des pièces confirmera cette impression première en démontrant certes de grandes capacités techniques de la part du chorégraphe et des danseurs mais dans une danse bavarde, parfois maniérée, manquant fondamentalement d’une cause, quelle qu’elle soit, à défendre. Au final nous ne sommes pas si loin de ces fastidieuses présentations de l’école de danse pratiquées dans les opéras à travers le monde.

A l’issue du spectacle, la lecture de nombreux articles élogieux semble nous conforter dans l’idée que le chorégraphe est capable de beaucoup mieux. Il nous faudra attendre un prochain passage de sa compagnie dans la capitale pour en juger.

Certes, la vidéo n’est pas chose nouvelle chez le chorégraphe, mais l’ingéniosité dont il a toujours fait preuve dans son utilisation le place d’emblée dans une catégorie à part. Comptée avec dérision, l’histoire de notre sombre héros est prétexte au développement d’un univers personnel et reconnaissable, entre burlesque et mélancolie, permettant l’enchaînement de tableaux chorégraphiés dont la plupart sont d’une complexité rare dans leur mise en place et leur rapport aux projections créées en direct ou prés enregistrées.

Decouflé prouve, s’il en était encore besoin, qu’il est maître en un univers qui n’appartient qu’à lui. Bien sûr, on pourra regretter l’absence de cette poésie envoûtante qui caractérisait Iiris, son précédent spectacle. Mais ce n’est là qu’un unique reproche mineur relevant plus d’une appréciation subjective que d’un réel jugement.

Certains ont découvert le spectacle du premier lors de la dernière édition du festival d’Avignon. Human (Articulations), c’est là son nom, est un texte en apesanteur. Au sens propre comme au figuré. Acrobates spécialistes du mat chinois, les interprètes se mettent au service d’une écriture tout en rebond qui ouvre du sens plus qu’elle n’enferme dans une narration classique. La technicité n’est ici qu’au service de la poésie et n’est jamais une fin en soi. Christophe Huysman occupe une place à part dans la création théâtrale, car c’est bien de théâtre qu’il s’agit ici. Un théâtre dont le vocabulaire de mise en scène est tiré du cirque.

Si Jean-Baptiste André est quant à lui est connu, c’est paradoxalement dans le milieu de la danse, comme interprète entre autres de Christian Rizzo et Philippe Decouflé. Spécialisé lors de sa formation au Centre National des Arts du Cirque dans les équilibres sur mains et le clown, Jean-Baptiste André présente à la Villette le deuxième volet d’un diptyque composé des spectacles Intérieur Nuit et Comme en plein jour. Dans une première partie très chorégraphique, nombre de références subtiles et de clins d’œil à des personnages bien ancrés dans l’imaginaire collectif se succèdent. Assez étonnement, une césure intervient aux deux tiers du spectacle et la fusion si réussie en première partie s’efface devant un numéro de clown parfaitement maîtrisé mais moins personnel. La démarche de Jean-Baptiste André reste cependant remarquable en tous points.

Toujours dans une semi-pénombre, c’est à une performance quasi picturale que nous convie le spectacle. Ici s’expose le corps, presque toujours méconnaissable, comme matériau d’une peinture abstraite et constamment mouvante. Entre éclipses et crépuscules, la morphologie humaine est parfois entrevue comme en lévitation ou en flottaison dans un élément liquide invisible. Oui la beauté de ce travail pourra être perçue comme froide par certains. Mais nous ne sommes pas de ceux là. Lapsus est une vraie réussite, concrétisation d’un travail original et réellement abouti.

Maniant avec talent l’absurdité et le non sens, speaking dance tient autant de la poésie sonore que de la réflexion sur les pratiques musicale et chorégraphique. Inévitablement on pensera à des références évidentes : John Giorno, Gertrude Stein, John Cage, le Spoken Word, la poésie sonore et toute cette culture qui n’a pas attendu l’avènement médiatique du slam pour faire de l’oralité sa matière principale. On en redemande! Comme quoi, ce festival nous réserve à chaque édition de bonnes surprises.

En nous présentant certains chorégraphes, la biennale doit faire montre publiquement une fois tous les deux ans de ses prises de positions esthétiques et de son engagement. Quoi de plus triste donc que de voir s'ouvrir cet évènement par une création toute récente de Daniel Dobbels et Gérard Pesson, réspectivement chorégraphe vieillissant et compositeur poussiéreux? Si l'affiche nous paraissait déjà étonnante pour une soirée de cette importance, le résultat nous plongea dans l'expectative.

Rien, absolument rien de ce qui ne se passa sur le plateau, ne parvenait à nous sortir de cette impression tenace de déjà vu. Oui, ce style de danse néo-classique était novateur il y a quatre ou cinq décennies. Aujourd'hui il n'a plus qu'une saveur bien fade. Oui, Gérard Pesson pouvait peut être passer jadis pour un compositeur en devenir (on pardonne beaucoup à la jeunesse). Aujourd'hui son pillage systématique de l'histoire de la musique française (de Debussy à Messiaen en passant par Jolas, son professeur) nous désespère de ses talents musicaux. La biennale soutient de la création? De la (re)création plutôt, d'une sauvegarde d'un certain patrimoine qui fleure la Naphtaline. Point de hasard si cette soirée d'ouverture s'est déroulée devant une salle au tiers vide.